RETABLO DE LAS IGLESIA

RETABLO

La estructura arquitectónica, pictórica y escultórica que se sitúa detrás del altar en las iglesias católicas.
En las ortodoxas no hay una función semejante, dada la presencia del iconostasio, y en las protestantes suele optarse por una gran reducción de la decoración.


 La palabra proviene de la expresión latina retro tabula ("tras el altar").

Con el nombre de retablo mayor se designa particularmente al que preside el altar mayor de una iglesia; dado que las iglesias pueden tener otros retablos situados tras los altares de cada una de las capillas.


Retablo mayor de la iglesia de peregrinación de Nuestra Señora (Bad Schussenried, Alemania), siglo XVIII.


 Los retablos se han realizado con todo tipo de materiales, toda clase de maderas, toda clase de piedras, toda clase de metales, esmalte, terracota, estuco, etc.


Y pueden ser escultóricos (en distintos grados de relieves o con figuras de bulto redondo), o bien pictóricos; es también muy frecuente que sean mixtos, combinando pinturas y tallas.

 Desde finales del siglo XIII fueron los elementos más relevantes en la decoración interior de las iglesias, tanto en
- la Europa septentrional (Alemania, Flandes –una tipología específica recibe el nombre de "retablos de Amberes"–, )
- en la meridional (Italia, y especialmente en los reinos cristianos de la Península Ibérica, donde la retablística alcanzó un desarrollo extraordinario, difundiéndose por las colonias hispano-portuguesas en América y Asia).

 La preferencia por esta forma artística hizo que en muchos casos quedaran ocultos tras los retablos frescos románicos anteriores.



Retablos en la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción (Tudela de Duero), con tallas de Gregorio Fernández.

 En los de gran complejidad colaboraban arquitectos, escultores, estofadores, doradores, carpinteros y entalladores, por lo que su elaboración era un proceso costoso y lento, sobre todo en los ejemplares de mayor envergadura

 El retablo suele elevarse sobre un zócalo para evitar la humedad del suelo.


Su cuerpo inferior se denomina predela y se dispone como una sección horizontal a modo de friso que a su vez puede dividida en compartimientos y decorada.

 Sobre ella se organizan las tablas en horizontal o cuerpos separados entre si por molduras  y en vertical o calles creando las columnas o pilastras.


 Éstas últimas se dividen por otras más estrechas llamadas entrecalles.

 La calle central es más ancha y se remata en la parte superior en una "luneta" semicircular o una "espina" o "ático"; como corresponde a su posición dominante, suele reservarse a la representación del Padre Eterno o a un Calvario.


Todo el retablo se corona por el guardapolvo habitualmente decorado

A partir del siglo XV, tomó relevancia el tabernáculo o sagrario (lugar donde se guardan las formas sagradas),


 que paulatinamente centralizó el espacio del retablo hasta convertirse, en ocasiones, en su elemento principal, adoptando incluso formas exentas e independientes

PINTURAL DEL VALLE DEL BOHÍ

Las iglesias del Valle de Bohí (en catalán: esglèsies romàniques de la Vall de Boí) son un conjunto de nueve iglesias románicas, declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco y situadas en el Valle de Bohí, en la comarca catalana de la Alta Ribagorza (provincia de Lérida, España).



SAN CLEMENTE DE TAHULL



 En el interior de la iglesia se encontraban diversos frescos de autor desconocido.

El pantocrátor de la iglesia, que en la actualidad se conserva en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), está considerado como uno de los máximos exponentes del arte románico en Cataluña.

En el Museo de Arte de Barcelona se conserva el frontal de un altar procedente de San Clemente de Tahull, obra del siglo XIII.


Sus escenas están dedicadas a la vida de este santo; la narración se divide en dos zonas, superior e inferior.
 En la zona superior se puede ver al santo convirtiendo a Teodora (en contra de la voluntad de su marido Sisinio, cortesano de Nerva) y la escena de la inventio de la fuente de la vida señalada por el Cordero.
 En la zona inferior están las escenas del juicio de Clemente ante el emperador Trajano y el martirio,19 así como el milagro del arca marmórea que emerge con el niño vivo después haber estado bastante tiempo encerrado. El marco y el fondo de la decoración son en relieve, en estuco.



Lázaro esperando a la puerta del rico. Fresco románico del siglo XI, de la iglesia de San Clemente de Tahull, conservado en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

SANTA MARÍA DE TAHULL


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 Destaca el fresco que representa a Santa María con el niño en su regazo y que también se expone en el MNAC.
 Toda la iglesia estuvo decorada con pinturas murales (en los ábsides, los muros y las columnas), que fueron resistiendo en parte el paso del tiempo.


 En 1907, Santa María de Taüll fue uno de los lugares por donde pasó la Misión Arqueológica-jurídica a la raya de Aragón, organizada por el Instituto de Estudios Catalanes, con la misión de proteger el patrimonio artístico catalán.

El equipo estaba formado por Josep Puig i Cadafalch, Guillem Marià Brocà, Josep Gudiol, Josep M. Goday y Adolf Mas.2


 Unos años después, los eruditos decidieron despegar estas pinturas de su lugar de origen y llevarlas al Museo Nacional de Arte de Cataluña, donde quedan protegidas.

Hay que decir que corrían peligro de ser vendidas y exportadas a Estados Unidos.

 De hecho, una figura de María se conserva desde 1925 en Fogg Art Museum de la Universidad de Harvard.

David y Goliat
 En algunos tramos de la pared y del ábside central se hizo una reproducción de dichas pinturas, para que el visitante pueda tener una idea in situ.
 Varios historiadores de arte, tras estudiar estas obras, han llegado a la conclusión de que, al igual que en San Clemente, sus autores son dos artistas diferentes, pero contemporáneos entre ellos.

Debieron trabajar sobre 1123, año en el que se consagraron ambas iglesias.

LAS PINTURAS EN LOS MUROS DE LAS IGLESIAS

PINNTURAS MURALES O FRSCOS DE LAS IGLESIAS

Pintura mural, es decir la que cubría los muros de los templos, se basaba en la preparación de la pintura a base de pigmentos coloreados diluidos en agua de cal.

El emplazamiento de las pinturas murales sigue una disposición jerárquica heredada de lo bizantino. El sistema iconográfico pictórico se desarrolla en el interior del templo, y sobre todo en la capilla mayor.



 Este tipo de pintura se aplicaba sobre la superficie mural a la que previamente se había añadido una capa de enlucido para alisarla (yeso, estuco...). La aplicación se hacía cuando el enlucido estaba aún húmedo.
 Al secarse, el conjunto adquiría gran dureza y resistencia. las figuras sean planas, alargadas y sin perspectiva.
 En la bóveda semiesférica del ábside principal es frecuente representar a Cristo, el Hombre Dios (Pantocrátor), que ha estado, está y estará entre los hombres, rodeado de la mandorla y de los símbolos de los cuatro evangelistas (tetramorfos: hombre, San Mateo; león, San Marcos, buey, San Lucas, águila, San Juan).

 Este tema también puede aparecer en los antipendios o frontales.



 Los personajes se escalonan y adoptan diferentes tamaños en función de su relevancia.
Los ojos y manos adquieren desproporcionada dimensión pues son las partes de la anatomía humana más expresivas espiritualmente hablando. Los colores empleados son intensos y brillantes (rojo, amarillo, naranja y azul) y se disponen en franjas contiguas de colores muy contrastadas entre sí. El color negro servía para perfilar las figuras.




 Un edificio de época románica no se consideraba terminado hasta que sus materiales eran cubiertos por enfoscados y luego pintados. No sólo nos referimos a que la escultura monumental estaba pintada (algo evidente y que se puede todavía apreciar especialmente en algunas iglesias rurales gallegas y pero también en otras partes de España) sino que la inmensa mayoría de sus muros eran cubiertos de pinturas.


 Si la comunidad donde se construía el templo tenía capacidad económica, se contrataba a talleres que creaban completos programas iconográficos. En caso contrario la decoración era más sumaria y se esperaba a que en años posteriores se pudiera emprender trabajos más ambiciosos.




 Algo que aún puede sorprender más es que también la superficies exteriores de los muros eran enfoscada y pintadas. A pesar de ello, el panorama actual es que un número mínimo de edificios conservan pinturas murales aceptablemente conservadas.
 Afortunadamente, algunas de estas pinturas, especialmente las de los ábsides que solían ser las más cuidadas, están saliendo a la luz poco a poco tras retirar los retablos colocados en siglos posteriores y eliminar las capas de revocos y encalados superpuestos y añadidos en épocas de epidemias.

 Tradicionalmente, las diferentes muestras de pintura románica conservadas en España se han afiliado a dos corrientes diferentes. La corriente bizantina y la mozárabe.

La corriente bizantina penetraría a España por Cataluña proveniente de Italia o incluso de Inglaterra a través de miniaturistas que se forjaron en Sicilia, mientras que la mozárabe es consustancial a todos los territorios españoles cristianos, principalmente a Castilla y León.




 A veces preside la iglesia la figura de la Virgen. Debajo, formando una banda horizontal hay figuras de Apóstoles, Santos y Profetas. En un lugar preferente, la figura del santo al que está dedicada la Iglesia. Por la bóveda y los muros se reparten escenas diferentes, de forma rectangular, con temas del Apocalipsis, del Génesis, del Nuevo Testamento, tradiciones locales,





 EVOLUCIÓN HISTORICA

 La pintura mural es una forma de arte muy antigua. Se encuentra en las paredes de las cuevas prehistóricas, como en las de Altamira, en España, y las de Lascaux, al suroeste de Francia, y constituye un aspecto importante del arte paleolítico



 Al principio de los periodos cristiano y bizantino se pintaban al temple y al fresco los interiores de las basílicas; hacia el siglo IV, estas técnicas fueron sustituidas por los mosaicos, si bien, a principios del siglo XIV, la pintura mural fue recuperada en las iglesias del sur de Europa.


En el norte, quedó desbancada por las vidrieras de los templos góticos y por los tapices que cubrían los muros de los castillos.

Desde el siglo XVII al XIX, pintores como el maestro flamenco del barroco Petrus Paulus Rubens, el pintor italiano del rococó Giovanni Battista Tiepolo, y el artista español Francisco de Goya, realizaron murales destinados principalmente a edificios civiles y, con la notable excepción de la obra de Tiepolo en Alemania





 y la de los frescos de Goya en la ermita de San Antonio de la Florida en Madrid, se trataba generalmente de óleos sobre lienzo, que después se fijaban sobre los muros o sobre los techos.

 

PINTURA EN TABLA

 La pintura románica sobre tabla se desarrolló especialmente en Cataluña.




Frontal de altar pintado al temple sobre tabla, autor anónimo, siglo XII, procede de la Seo de Urgel, actualmente en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC).

 Decoraba principalmente frontales de altares y pequeños retablos.
 A diferencia de la pintura mural al fresco, se utilizaba la técnica del temple. Frontall de Urgell

Todo lo referente a la pintura mural es válido para la pintura en tabla en lo referente a la iconografía (claramente religiosa) y la estética que sigue basándose en el hieratismo simbólico románico.


 La gama de colores es la misma así como su figuración.

 Algunas de las pinturas en tabla más importantes son las de la Seu d'Urgell, Santa María de Avià, Ribes de Fresser, San Andrés de Cerdanya y San Andrés de Sagars, todas repartidas entre el Museo de Vic y el Museo de Arte de Cataluña.

PORTADA DE SANTA MARÍA LA REAL EN SAGÜESA NAVARRA

La iglesia de Santa María la Real, en Sangüesa, es una de las joyas artísticas más conocidas de Navarra. Su portada está considera como una de las obras cumbre del románico en España, como lo demuestra que fuera declarada Monumento Nacional en el año 1889.
 


La Portada de Santa María es sencillamente espectacular.
Para la realización de la misma, finales del siglo XII, intervinieron dos maestros reconocidos: el de San Juan de la Peña que trabajó la parte superior y Leodegarius, al que se le atribuye la inferior. El arte románico, al ser eminentemente religioso, exhibe en esta portada una catequesis doctrinal.


 En la galería alta, aparece Cristo rodeado de los símbolos de los evangelistas, acompañado por dos ángeles y los doce Apóstoles.

 La parte inferior está dedicada al Juicio Final, con Cristo juzgando a los hombres en el tímpano ante la presencia de los Apóstoles y la Virgen como intercesora, San Miguel pesando las almas, salvados y condenados y máscaras del infierno.

 Toda la sociedad medieval (guerreros, clérigos, peregrinos, músicos, artesanos, sus vicios y virtudes) se sitúan en las arquivoltas que enmarcan el tímpano.


A ambos lados de las arquivoltas, en las enjutas aparecen animales monstruosos, escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, y la famosa leyenda nórdica de Sigurd y el herrero Regín, con el dragón Fafner.

 En la zona inferior y en el lado izquierdo: María Magdalena, María Madre de Cristo (señalando en el libro el nombre del escultor Leodegarius) y María, madre de Santiago.



 A la derecha: Judas ahorcado, San Pablo y San Pedro.






 Cuando la portada fue remodelada, a este programa inicial se añadieron distintos temas (algunos todavía no identificados correctamente) y figuras aisladas en la zona de las enjutas, que no deben seguir un programa iconográfico concreto sino que responden a la reutilización de esculturas destinadas a otras zonas de la iglesia
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PORTADA DE SAN TROPHINE, ARLES. FRANCIA

La Portada de San Trophime Arles es una de las grandes maravillas de la arquitectura cristiana en Europa occidental. Inaugurado en 1152.



Es una verdadera biblia tallada en piedra, que transmite el mensaje a los creyentes de la iglesia, la mayoría en el siglo 12 no podía leer.


 El portal es un vivo ejemplo de los creyentes. Las escenas infernales del juicio final deben inspirar su temor al pecado. Van Gogh en 1888 dijo "... es tan cruel, tan monstruosa, como una pesadilla ... este magnífico ejemplo de un estilo grandioso parece pertenecer a otro mundo ..."

 El portal muestra los santos patronos y las glorias de la iglesia de Arles, la vida de Cristo, los cristianos luchan contra el mal y el destino de los elegidos y los réprobos.

 En el tímpano, vemos a Cristo en su gloria rodeado de los cuatro evangelistas:



 el león (Mark), el ángel (Mateo), el pergamino águila (Jean), y de carne (Lucas), y más de tres ángeles una multitud de espíritus celestiales, por debajo de los doce apóstoles.

 Un friso muestra escenas tan diversos como los condenados, incluidos los obispos, se les niega las puertas del cielo; elegante electo cuyas almas se depositan en la cubierta de Abraham, Isaac y Jacob; réprobos desnudo sumergido en llamas.


 También vemos la Anunciación; Natividad y baño del niño; Adoración de los Magos; Herodes y sus soldados de cota de malla de ordenar la matanza de los inocentes ...



 A la altura de las columnas de mármol negro son los apóstoles y los dos patronos de la primate, el mártir Esteban y San Trófimo.


Bajo columnas escenas ilustran la lucha contra el mal con muchos leones que representan las fuerzas del mal y escenas como Sansón matando al león, el profeta Daniel en el foso de Leones ...

ORNAMENTACIÓN EN LAS IGLESIAS

LAS FACHADAS VERDADERAS BIBLIAS EN PIEDRA

La decoración exterior de una catedral o iglesia grande es a menudo tanto arquitectónica como pictórica.

 Son elementos arquitectónicos decorativos las columnas, pilastras, arcadas, cornisas, molduras, remates tímpaanos




.Las formas adoptadas por estos elementos decorativos son una de las indicaciones más claras del estilo y de la fecha de construcción de cualquier edificio particular.

 Los elementos pictóricos pueden incluir esculturas, pinturas y mosaicos. La escultura es el elemento decorativo pictórico predominante en la mayoría de las regiones donde los edificios son de construcción de piedra.


Dirigidos a un público analfabeto, los programas iconográficos de iglesias y catedrales se convertían en verdaderas Biblias de piedra.

 En las grandes iglesias medievales de Francia, España, Inglaterra y gran parte de Alemania, se encuentran esculturas figurativas adornando las fachadas y portales.


En el comienzo del románico prevalecen las escenas del Antiguo Testamento como la creación del hombre y el pecado original.


 Pero rápidamente adquieren especial fuerza las historias del Nuevo. Escenas del ciclo de la Natividad (la Anunciación, Nacimiento, Epifanía...).


Posteriormente, la figura de María compite con la anterior y es frecuente que aparezca la Virgen en Majestard con el Niño sentado en sus rodillas bendiciendo.



 El esquema general comienza fuera de la iglesia, en el frente occidental, con la representación del Cristo Pantocrator sobre el dintel de la puerta principal.



 En los edificios románicos y góticos, por lo general, esto se hacía con un grupo escultórico, y podía conllevar toda una escena del Juicio Final con detalles de las almas que estaban siendo pesadas y recompensadas, o arrastradas al infierno por los demonios.


 En las iglesias en las que prevalece lo pintado más que la decoración esculpida, el Juicio Final está a menudo situado en el interior del extremo occidental, en lugar del exterior

MOISES PARA COLOREAR